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75 ° Festival de Música de Ojai - The Santa Barbara Independent

Gracias a una sólida tradición de programación reflexiva y la lealtad de una de las audiencias más sofisticadas del mundo, el Festival de Música de Ojai ofrece constantemente una experiencia única y satisfactoria, y este año, después de un retraso de COVID de 18 meses, no. No fue la excepción. John Adams fue un director musical ideal para esta edición con temática de reencuentro, y su decisión de aprovechar la oportunidad para mostrar el trabajo de una nueva generación de compositores estuvo brillantemente enfocada. Después de experimentar una sequía de música en vivo de una duración y proporciones sin precedentes, regresar a la serena belleza de Libbey Bowl para escuchar tanto buen trabajo por primera vez se sintió bien.

Más allá del puro placer que esta decisión otorgó a los oyentes, fue la sensibilidad manifestada a los sueños superados por COVID de esta talentosa cohorte de músicos en la treintena. Una cosa es perder una temporada cuando ya has tenido algunas para abrirte camino en el mundo musical, y otra es ver pasar un año y medio en el que esperabas ganar.

Estreno en la costa oeste de Samuel Adams Concierto de cámara el viernes 17 de septiembre, no dejó ninguna duda de que esta segunda generación de compositores de Adams tiene lo necesario para hacer avanzar la música. Embrujada, conmovedora y estructuralmente sólida, la pieza entrará en el repertorio estándar. La violinista Miranda Cuckson estuvo espléndida como solista, regresando después de un breve intervalo para tocar parte de una partita de Bach mientras estaba detrás del escenario debajo de un árbol, un toque muy Ojai.

El concierto del viernes a las 11 a.m. con el Attacca Quartet y Rhiannon Giddens contó con una obra importante de la compositora ganadora del premio Pulitzer Caroline Shaw. Planta y elevación, una composición de cuarteto de cuerdas de cinco partes, fue escrita mientras Shaw residía en Dumbarton Oaks. Puede que solo sea la alegría de escuchar buena música interpretada en persona nuevamente, pero en ese concierto diurno del viernes sentí como si escuché el sonido de una nueva versión de la música en el trabajo de Shaw y los otros jóvenes compositores en el programa. La frescura de las obras de Paul Wiancko y Gabriella Smith en particular se sintió como una pura emanación de este nuevo espíritu.

Rhiannon Giddens fue una elección inspirada para anclar el festival con múltiples apariciones, incluido un concierto conmovedor de su material original / tradicional el sábado por la noche. Se ha labrado un lugar distintivo en el mundo de la música, combinando habilidades clásicas, becas universitarias y una experiencia vivida como músico activo y persona de color. El resultado es impresionante: imagina a Nikole Hannah-Jones cantando como Aretha Franklin. Las formas cuidadosas en que Giddens presenta y contextualiza la música que toca nunca son abrumadoras ni demasiado informativas. Su habilidad con las palabras es igual a su facilidad como violín y tocador de banjo. El concierto del sábado por la noche resonó con todo el dolor y la lucha que hemos atravesado durante los últimos dos años de una manera que es tanto sanadora como sólida.


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Ningún gran festival de música clásica estaría completo sin al menos un recital de piano de cola. Este festival tuvo dos: Víkingur Ólafsson el sábado por la mañana y Timo Andres el domingo. Estos recitales estuvieron entre los hechos más reveladores del cambio generacional que parece estar atravesando la música en estos momentos. Como nativos digitales, Ólafsson y Andres escuchan y absorben ideas musicales en nuevas formas, dando lugar a recitales que reflejan una sensibilidad de “lista de reproducción” en lugar de un enfoque más tradicional. ¿De qué otra manera se puede explicar la asombrosa proeza de memorización que Ólafsson requirió, por ejemplo, para interpretar 21 obras distintas del siglo XVII al XXI en una sola representación? Su reciente grabación titulada Mozart y sus contemporáneos sirvió como texto clave para entender el festival de este año en su conjunto, el concepto es que debemos escuchar e interpretar la música del pasado como si se hubiera escrito hoy. Ólafsson dijo que cuando interpreta a Mozart, o Rameau, otro de sus favoritos, es como si la tinta todavía estuviera húmeda en la página. Por supuesto, lo más probable es que esta página se muestre en un iPad, pero lo que sea.

El recital del domingo por la mañana de Timo Andres mostró una sensibilidad similar hacia las "listas de reproducción", esta vez porque se basó en una lista de reproducción real: un conjunto de pistas cortas escritas en honor a Robert Hurwitz con motivo de su retiro como presidente del sello Nonesuch. Entre estas 11 piezas, todas brillantes de ingenio e ingenio, una se destacó por señalar el camino hacia el clímax de la tarde del domingo, y fue "I Still Play" de John Adams, que preparó el escenario para una deslumbrante interpretación de la " Aleluya ". Junction ”para dos pianos de Joanne Pearce Martin y Vicki Ray. Adams estuvo en todas partes ese fin de semana: dirigiendo en el escenario, conversando y animando detrás de escena, y debajo de la magnífica superficie musical como inspiración y recordatorio de todo lo que la música puede hacer. Escuchar a Ray y Pearce Martin pasar por el loco final de “Hallelujah Junction”, un desafío alucinante de precisión y sincronización colaborativas, hizo que pareciera que todo era posible.

El 76 ° Festival de Música de Ojai está ahora a menos de un año y, con el gigante creativo conocido como AMOC (por la American Modern Opera Company) a la cabeza, debería resultar tan revelador y emocionante como este. Felicitaciones al director Ara Guzelimian y su equipo por ofrecer una actuación impecable, y aquí hay muchas más temporadas bajo el dosel en Libbey Park.


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