Piense en ello como una paradoja lógica. Going Global: Abstracción de mediados de siglo, la nueva exhibición principal en el Museo de Arte de Santa Bárbara, es una investigación inherentemente nostálgica sobre una fuerza radical, una vez radical, en el arte del siglo XX. La abstracción ha perdido su dinamismo y sentido de misión, y la exposición, extraída de la colección permanente del museo, sirve como un recordatorio de que la revolución de ayer puede transformarse, de alguna manera, en la reconfortante reliquia de hoy.
Las energías progresivas se vuelven retrospectivas. La abstracción, que anuló las verdades prevalecientes en el mundo del arte cuando Kandinsky y otros fueron pioneros en la noción a principios del siglo XX y a través de sucesivas reinvenciones a través del expresionismo abstracto y otros movimientos a mediados del siglo XX, se ha convertido en una parte integral del paisaje cultural. . Aparece como un atractivo visual inocente en paredes y áreas de bancos y negocios donde prevalecen los imperativos decorativos.
Por supuesto, su poderosa impronta estética sigue siendo vital y permea las nociones del arte contemporáneo, tanto “tradicional” como hibridado en nuevas formas y elaboraciones. Pero, ¿qué pensarían Kandinsky, Gorky, Pollock y otros titanes de la abstracción del destino del impulso abstracto en el arte?
Una propuesta modesta con un esquema educativo, Go Global aborda los muchos caminos secundarios y ramificaciones de la nave nodriza abstracta, sin mencionar las contribuciones de la comunidad "global" (es decir, más allá de América y Europa).
Para una indicación inmediata de los marcados contrastes bajo el paraguas del arte abstracto, entramos en la Galería McCormick y nos enfrentamos amablemente con el corte de estilo op-art de "Centered Green" de Richard Anuszkiewicz de 1979. Gire a la derecha y admiraremos el fandango gestual y colorido. de Ernst Wilhelm Nay "Chromatik stark y zart(“Colores fuertes y tiernos”). (Nota biográfica: Nay, considerado un "artista degenerado" por los nazis, fue reclutado por el ejército alemán, donde se hizo amigo de Kandinsky).
Gestos más densos, oscuros y palpables marcan el cuadro "10 de mayo de 1961", del pintor francés Pierre Soulages, una de las figuras más conocidas del mundo del arte representadas en la exposición. Inspirándose en la luz cavernosa y el aura atávica de Lascaux y Altamira, Soulages creó aquí algo místico en la pintura.
Una galería lateral está dedicada a la categoría "Signos y símbolos" y muestra litografías menos importantes de artistas famosos. Lee Krasner (esposa y viuda de Jackson Pollock) muestra piezas de "acción" tranquilas y despojadas en diferentes tonos, mientras que "Remembrance I" de Jasper Johns contrasta una extensión gris descolorida con un autorretrato similar a una foto policial en la esquina inferior.
Mientras tanto, de vuelta en la zona del op-art, está el cautivador e inquietante encanto óptico de 'Annul' (1965), de la estrella del género Bridget Riley. Se necesita una perspectiva literalmente cambiante, como espectadores, para lograr el impacto deseado y el engaño óptico de "Año Nuevo, III" de Yaacov Agam. Combina hábilmente tres composiciones de colores brillantes en una, dependiendo de la posición del espectador.
Otros artistas aportan fundamentos personales y mecanismos orientadores a su obra aquí representada. La grandiosa pero relajante "Insistencia" de Kenzo Okada combina con perspicacia impulsos caligráficos de su Japón natal con impulsos expresionistas abstractos no muy diferentes a, digamos, Franz Kline. El renombrado artista británico Ben Nicholson, vagamente geométrico, como un boceto, "Topaz" es, según el artista, un reflejo de su hogar familiar junto al mar brumoso, transformando naturalezas muertas en "paisajes tierra-mar-cielo".
En otros lugares, la distancia entre la abstracción cuidadosamente curada y el realismo se convierte en una fuerza impulsora expresiva central. Entre las fotografías de la exposición, la más fuerte y relevante es "Martinica" de André Kertész, en la que la imagen de un balcón de hotel frente al océano, con una silueta borrosa detrás de un vidrio esmerilado, es una joya de visión minimalista y misteriosamente elegante.
Tal vez mi propia nominación a Best of Show, en parte por razones sentimentales, sea para Gunther Gerzso".el tiempo se come la vida/El tiempo viene a la vida(“El tiempo devora la vida”), de 1961. Con su grupo de formas en capas poéticas, como si enrollaran piezas de tela en otra dimensión, la pintura desencadena respuestas oníricas del mundo real.
Desde otra perspectiva histórica interna, la pintura es un hermoso recordatorio de la gran exposición individual del arte de Gerzso de SBMA en 2003, a través de la cual yo y muchos otros "descubrimos" la voz y la visión de este artista mexicano demasiado oscuro.
Una sola pintura, abstracta o no, puede tener el poder de hacernos retroceder en el tiempo y en la memoria, incluso cuando el tiempo devora la vida.
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